Somewhere (S. Coppola)

Je crois que c'est une Porsche dans le film

Celle de Marco est une Ferrari noire.

Autre anecdote, dans Le Vent de la nuit, Beauvois dit "j'ai toujours entendu dire qu'une Porsche ça se conduit pas, ça se pilote. J'ai jamais compris la différence". Et le propriétaire de la voiture de répondre laconiquement : "Contente-toi de conduire"

Somewhere me fait penser à "Alice dans les villes" de Wenders

Mais c'est un film raté, alors que le Wenders est génial, c'est un film qui pose des choses (un film qui "pose" aussi) et qui ensuite les trahit par la musique pop façon Strokes qui émerge lentement, les larmes, la dernière scène, comme des faiblesses auxquelles elle n'arrive pas à résister, des pêchés mignons de réalisatrice mais vite insupportables à nos yeux. Un film qui voulait faire mal, qui voulait être lucide pour nous et que le spectateur finit par devancer. Sofia Coppola devrait faire des clips vidéo, un clip ne dit pas obligatoirement quelque chose, précisément comme ce film.

"Somewhere", c'est aussi une belle chanson de "West Side Story" :



"Somewhere
We'll find a new way of living
...
Somehow
Someday
Somewhere"

et alors ?

Le reste était d'un mortel ennui agaçant pendant le film. Mais c'est indéniable qu'il reste quelque chose après la projection. Je n'arrive pas à penser que le film est nul et creux.

Plus on en parle, et plus je me dis que c'est exactement ça.

SC passe d'un château à l'autre (oui, je sais, Céline aurait été plus rapide, il serait passé d'un château l'autre ; je déteste cette formule). Voyage dans le temps et l'espace, tout en restant en France, d'une certaine manière: le château de Versailles ; château Marmont. C'est le premier élément du film à m'avoir frappé, je me suis dit : "Curieux, on se retrouve dans un château ; c'est par là qu'il faut entrer dans le film". Qu'est-ce qu'un château aux USA, à Los Angeles, à hollywood ?

"D'un château l'autre", c'est le titre de la critique de Malausa dans les Cahiers.

Sinon, je me disais que c'était encore mieux que ça : Lost in translation se passe dans un hôtel - Marie-Antoinette dans un château...Somewhere devait forcément se passer dans un "châtôtel", non ?

Est-ce que le château, c'est l'endroit où sont voués à vivre les riches et les puissants, même quand ils ne s'y sentent pas chez eux ?

Les stars/Le roi soleil... La première est censée dégager de la lumière mais en fait, elle est paresseuse, passive, elle ne fait jamais que la recevoir. Elle se contente de se mettre sous les feux des projecteurs et la moitié du travail est fait...

Je suis contente que tu aies fait le chemin jusqu'à ce film et ça t'ait plu, c'est un film magnifique oui, et qui semble être mal connu (c'est mon impression) comme une bonne partie de la filmographie de Wenders. Il est peu diffusé en dehors de ses films les plus connus, on en parle rarement, mais c'est un réalisateur d'une profondeur inouïe, un cinéma d'écorché vif et d'une grande cohérence, ces films sont travaillés par le problème de la place de ses personnages dans le monde; problème qui est le prétexte pour un retour et une pensée du monde à travers ces personnages qui ont fait de gré ou de force un pas de côté par rapport au version du monde qu'ils habitent. Wenders filme énormément ses personnages regardant la ville à travers une vitre qui peut être comprise métaphoriquement: la vitre comme ce qui donne à voir et qui sépare en même temps, c'est le cinéma. Ces personnages sont des marginaux: des anges, des réalisateurs ratés (L'état des choses), des amnésiques, des écrivains qui ont cette juste distance qui permet de ne pas les faire sombrer dans l'acrimonie mais les fait déborder d'une tendresse mélancolique pour le monde qui semble les rejeter mais daigne quand même les bercer, l'errance c'est cette perte dans son étreinte. Je suis d'accord avec toi, Wenders fait exister le monde parce qu'il travaille à créer le sentiment du monde, le sentiment des hommes, le sentiment de la ville; Coppola tronque tout ça et l'absence ne suggère pas pour autant un horizon du monde. Je te conseille le premier film de sa trilogie sur l'errance : Faux mouvement qui est une adaptation libre du Wilhelm Meister de Goethe écrite avec Peter Handke.

Si on devait trouver un alter ego à Wenders ce serait Kaurismaki

"Road to nowhere", c'est le titre du prochain film de Monte Hellman :



Sinon, c'est aussi une chanson des Talking Heads, mais je ne vous apprend rien, et puis si on commence à prendre toutes les chansons américains qui parlent de la route, on est pas sortis.

Vu, comme à mon habitude, longtemps après et ne sachant à peu près rien du film.

C'est le premier de S. Coppola que je trouve vraiment réussi, pour ma part. Il y a quelque chose de très fort qui passe, là, dans la ténuité, et qui est maintenu de bout en bout. De l'ordre du souvenir que quelque chose a été oublié, on s'y souvient d'un oubli, de quelque chose, quelque part, qui n'a jamais eu lieu ou son lieu.
ça va bcp plus loin que "lost in translation", qui a mon sens était assez raté. Un des problèmes du film, parmi d'autres, c'était Murray, justement, qui se sentait obligé de compenser l'absence d'être-au-monde par une composition de clown triste, charmeur gauche, désarmant de pudeur, etc: tout ça était bien trop lourd d'intériorité signifiée, d'empathie suscitée, justement, et on restait dans le schéma du touriste promenant sa mélancolie touchante dans un pays étranger dont il est déconnecté. Le pas au delà, suite logique, plus radicale, que Somewhere franchit sans fléchir, c'est: avoir disparu sur place, d'emblée, n'avoir jamais été, être déconnecté de soi-même, à l'intérieur, de l'intérieur.

Largo déplorait l'absence de charisme de Stephen Dorff. C'est passer complètement à côté du film, car c'est justement ça qui lui donne toute son essence. C'est ça qui est réussi, et vraiment drôle, cette fois, tout en étant glaçant. C'était le choix parfait: le prototype de l'acteur de cinéma hollywoodien, inexistant, impersonnel, sans qualités, un homme-enfant inachevé, comme un morceau de cire à moitié fondue, une enveloppe congelée ou pétrifiée comme cette pâte à modeler, ce masque informe dont on recouvre son visage (plan fabuleux). Et quand Dorff dit, vers la fin, au téléphone, à une de ses nombreuses maitresses (qui s'en tape, et le congédie par cette formule cruelle qu'on imagine servie en gimmick aux stars qui dépriment: "pourquoi ne fais-tu pas du bénévolat?"), assis dans sa chambre, pleurant: "je suis rien, moins que rien", on y croit, et c'est bouleversant.
On dit alors que c'est un moment "téléphoné": peut-être, mais ce moment téléphoné est un moment vrai.
On dit encore: Murray savait, lui, qu'il n'était rien, il n'avait pas besoin de signifier cette tautologie, cette évidence était d'ailleurs rachetée par l'élégance de la pudeur, cette politesse du désespoir, etc. Justement, Dorff (ou son perso) ne le sait pas, il n'est pas lézardé comme Murray, alourdi de la conscience de cette lézarde, il est en deçà de toute réflexivité possible (la scène marrante de la séance de presse, où on lui pose notamment la question du "post-moderne"). C'est un homme sans esprit, pour qui toutes les répliques sont écrites à l'avance, et qui le reste du temps n'a rien d'intéressant à dire, jamais, aucune dérision particulière de lui-même. Ce n'est pas non plus le yuppie cynique de "less than zéro". C'est un homme quelconque, ni bon ni mauvais, sans point de vue sur lui-même ou sur les autres, pas nihiliste ni indifférent, plutôt gentil, gentiment fadouille, transparent. Aussi les seules phrases non sollicitées qui sortent de lui, affects vécus simplement d'un désespoir révélé qui ne séduit personne, c'est "pardon de ne pas avoir été là" et "je suis rien".


J'ai quelques réticences, bien sûr. Concernant ce "spleen des acteurs riches", j'ai senti cette possible couche catho-consolatrice derrière: "les riches ne sont pas heureux, leurs paradis sont artificiels, heureux les miséreux, les valets, qui sont dans l'authenticité", etc. Mais j'ai essayé de ne pas trop me braquer là-dessus. Le film adopte un point de vue très distancié, ne sollicitant ni l'empathie ni le rejet. Presque de l'ordre d'une contemplation ethnographique. C'est plus un film sur la machine cinéma, la condition de l'acteur, la disparition, le vide, dans la machine à fabriquer de l'apparition, du plein. Ce n'est pas neuf, bien sûr, comme thème. On connaît tous ces films sur le monde du cinéma, mais la tonalité, l'approche, sont plus inédites qu'on ne le prétend.

Surtout, il laisse une trace, après, vous laisse au dessus de cette faille, une blessure de l'exister qu'il titillait en creux, en négatif, à la fois obstinément et discrètement. C'est pas si souvent.

Je ne partage pas les exécutions en règle plus haut: je trouve la fin très belle. La "parole vraie", dans la voiture, prononcée par sa fille au moment de le laisser et de partir sans sa colo d'enfant riche, enfant de star ("maman n'est jamais là, et toi non plus, tu n'es jamais là"), c'est la douleur de l'absence absolue dans la présence même. Leur absence au monde ensemble, l'homme-enfant et sa fille. "Pardon de ne pas avoir été là", dit-il (et c'est noyé dans le bruit des pales de l'hélicoptère), cad, bien sûr, aussi bien dans le passé que pendant ces vacances: en sa compagnie il n'a jamais été-là, et elle non plus n'a jamais été-là. Il n'étaient pas-là ensemble, et n'allaient jamais nulle-part (ou, ce qui revient au même, allaient toujours "quelque part" qui n'était nulle part).

C'est très différent d'Alice dans les villes, en effet (auquel le film est lié, par de nombreux jeux de renvoi, mais en inversant le propos): pas de périple, de "destinerrance" vécue à deux.
Dans le Wenders, la rencontre avec l'enfant est indissociable du voyage entrepris à deux, par lequel l'homme quitte l'état de déréliction (le paysage américain) et commence à exister dans un mouvement "vrai", à travers le paysage allemand, vers l'hypothétique grand-mère (s'esquisse déjà ce fantasme, chez Wenders, du voyage comme retour aux origines, à la Vieille Europe, après la désillusion du simulacre). Dans Somewhere, l'homme et l'enfant sont à l'inverse pris ensemble, d'un bout à l'autre, dans l'immobilité d'une inexistence qui ne va jamais nulle part, englués. L'origine, le point d'ancrage réel, le lieu natal, cette "italianité", sont eux-mêmes rendus à un simulacre, une irréalité soit purement cinématographique, un folklore imaginaire, sorte de mise en abyme, dans une dérision froide, de la "Famille Coppola" (Dorff est censé dire quelque chose d'un lien improbable avec Al Pacino. Plus tard, à Milan, seuls mots italiens qu'il peut dire, c'est "buongiorno " et "arrivederci"), soit télé-berlusconienne - un show inepte de remise de statuettes.
Et c'est au moment de leur séparation qu'un mouvement de mise en route est amorcé, par le constat douloureux et muet de cet échec que fut leur non-rencontre. C'est un film mélancolique, par soustraction. La mélancolie n'est jamais dans l'image.

On pourrait se dire, dans la dernière séquence, que cet homme sans Dasein, prenant congé de sa fille, séparation qui réouvre sa propre blessure d'enfance, commence enfin à tracer sa ligne de fuite, ex-siste, sort de la boucle tournant en rond du circuit automobile du début. Mais où va-t-il au juste? Vers l'avenir, le rien, sa fille, lui-même, le monde? On ne sait pas trop. Mouvement qui, de plus, ne consiste pas à "tailler la route", mais au contraire à soudain stopper net, à quitter le véhicule, dans une interruption qui est une sortie de route, une mise hors-circuit. (Il y a certes ce sourire, qu'on peut interpréter de différentes façons. Pour ma part, ça veut pas dire grand chose, en tout cas pas au point d'y réduire le film).

Je dirais: "un beau film américain", enfin, comme on peut les aimer. Complètement travaillé par le vide, la perte, l'absence, le dehors, d'autant plus discrètement poignant qu'il n'y a quasiment rien dans le cadre, aucune profondeur sous la surface, aucun dehors discernable, aucun paysage vécu, aucun voyage promis, aucun mouvement possible. Sinon dans la rencontre, après-coup, de deux douleurs se révélant l'une à l'autre, en miroir, au moment où elles repartent chacune vers leur solitude essentielle.

jerzy P a écrit:Largo déplorait l'absence de charisme de Stephen Dorff. C'est passer complètement à côté du film, car c'est justement ça qui lui donne toute son essence. C'est ça qui est réussi, et vraiment drôle, cette fois, tout en étant glaçant. C'était le choix parfait: le prototype de l'acteur de cinéma hollywoodien, inexistant, impersonnel, sans qualités, un homme-enfant inachevé, comme un morceau de cire à moitié fondue, une enveloppe congelée ou pétrifiée comme cette pâte à modeler, ce masque informe dont on recouvre son visage (plan fabuleux). Et quand Dorff dit, vers la fin, au téléphone, à une de ses nombreuses maitresses (qui s'en tape, et le congédie par cette formule cruelle qu'on imagine servie en gimmick aux stars qui dépriment: "pourquoi ne fais-tu pas du bénévolat?"), assis dans sa chambre, pleurant: "je suis rien, moins que rien", on y croit, et c'est bouleversant.
On dit alors que c'est un moment "téléphoné": peut-être, mais ce moment téléphoné est un moment vrai.

Merci Jerzy, j'avais envie d'écrire un truc dans le genre à l'époque, mais je ne savais pas comment le tourner. tu me l'enlèves de la bouche. Si Borges serait un parfait journaliste, tu ferais un super dentiste

Pour moi aussi, c'était un choix important de confier le rôle à un acteur pas très connu, mais en même temps j'ai du mal à me justifier...

__

Breaber a écrit :
pas vu, mais j'ai l'impression que Sofia fixe son horizon familial comme une glu, partout où elle va c'est disneyland, peut-être elle a cette révélation de l'artificiel, elle flotte dans sa piscine-océan où sa mère a ses extases de méditation zazen, et puis un drame survient, Francis est amoureux d'une autre femme, on fracasse les assiettes, c'est l'apocalypse chez les Coppola, les confitures de figues jaillissent comme des balles de guerre.

mais qu'a t-on à faire de la vie privée de ces gens là ?