La porte du passé - Die Tür (Anno Saul, 2010)

jerzy P a écrit:En ce qui me concerne, les "explications" en question, dans rec2, ont alimenté la peur

(et je les trouvais pas délirantes, j'avais la foi, même mauvaise, et foi dans ce qu'on me racontait. Même si le curé de choc, bon, c'était un peu "too much"...)

Parfaitement; un grand film de peur ne peut pas s'épargner ces tentatives d' "explications", ces recherches des "causes", "raisons", même quand elles sont décevantes, tombent à l'eau, ne mènent à rien.

C'est pour moi vraiment le truc le plus intéressant. D'où ça vient? Comment est-ce possible?
Si je me pose pas ces questions, si le "mal" apparaît trop naturel, s'il n'est pas interrogé depuis son impossibilité, son fondement et son absence de fondement, si je ne suis pas confronté à cette impossibilité possible du mal, y a rien. Pas de vraie peur, pas d'angoisse, donc pas de dévoilement d'un être au monde impossible.

j'adore les moments où l'"action" est suspendue, où tout se passe dans les mots, dans les discussions, dans la recherche, les vieux livres que l'on consulte, les enregistrements que l'on écoute, les signes, les traces, les ruines que l'on tente de comprendre, d'interpréter, de faire parler. Toute une herméneutique de l'effroi.

Dans l'exorciste, par exemple, je suis plus effrayé par les discussions théologiques , la solitude de ceux qui cherchent (le flic, les prêtres, la mère) une explication... que par les scènes de monstruosité spectaculaire; les moments terrifiants dans alien, le premier bien entendu, c'est quand les personnages sont face au vaisseau venu d'on ne sait où, amené par qui, échoué pour quoi...?

Faut que ces questions surgissent dans l'esprit du spectateur, s'esquissent.

On ne cherche pas seulement à avoir peur, mais à confronter la pensée à ce qui l'annule, la rend impossible...faut que la raison tente de trouver des raisons, des moyens, des chemins, des ruses...ça peut se faire physiquement, ça se fait nécessairement physiquement, mais quand c'est porté à une intensité de pensée, c'est plus effrayant.

C'est les mots qui font peur, parce qu'ils créent un espace sans image, racontent une autre histoire que celle que les images montrent. C'est comme s'il y avait une peur plus grande sous la peur actuelle, une peur plus archaïque, éprouvée par d'autres avant nous...


En un sens l'image (actuelle, actualisante) est rassurante, aussi terrifiante, monstrueuse, soit-elle.

C'est pas du tout une affaire de hors champ, qui laisserait à l'imagination son travail face à l'invisible, dans mon cas, dans mon expérience, c'est quelque chose d'autre.

Pour moi l'idée "ça fait d'autant plus peur que l'on ne voit pas, que l'on imagine" n'a pas beaucoup d'intérêt. On ne cherche pas à imaginer ce qui fait peur, on cherche à le penser, à l'expliquer.

Le hors champ des mots est plus important que celui des images, parce que c'est dans les mots que se fait la confrontation de la "raison" à son autre. La lutte des corps n'est pas terrifiante en soi. Un grand film de peur amène toujours à se poser la question de la raison, même si c'est pour la rendre vaine; il faut penser l'impensable, sinon y a pas de véritable horreur. L'image doit indiquer ses limites, sa finitude, son défaut, son manque, par rapport à la chose même, qui a son lieu dans le langage. Une espèce de sublime à l'envers, si on veut, où l'imagination, la présentation sensible, échoue à donner l'idée du renversement de la destination métaphysique de l'homme.

Les explications sont l'essentiel de la peur, en elles se manifestent deux défaites, celle de la raison, et celle de l'imagination. Quoi de plus terrifiant que ceci : ce qui vous fait peur, vous ne pouvez ni le voir, ni le penser. Sentiment et sensation qui bien entendu doivent passer par l'image et la recherche d'explications.

Le problème avec "le curé de choc", quand il joue les hommes d'action, c'est qu'il annule ces tentatives d'explications (la pensée) par l'action (le corps); avec un film de peur nous devons sentir que superman n'est pas de taille, ça se passe ailleurs et autrement.

Bien sûr et évidemment.


Mais avant d'approfondir la "portée" de mon post précédent, en manière de réponse à ton interrogation, quelques précisions:

- Largo ne dit pas que REC2 est trop "bavard", il se plaint qu'il "vire au grand-guignolesque et se perd(e) dans des tentatives d'explications franchement délirantes"

Je ne vois pas que REC2 soit moins "grand-guignolesque" que le 1, qui l'est tout autant si on va par là. Mais en réalité ni le 1 ni le 2 ne le sont. Côté bavardage, on ne peut pas dire non plus que le 2 soit plus bavard que le 1, je dirais qu'il l'est même bcp moins. Dans le 2, plus d'action et de situations non-verbales, moins de bavardage, mais plus d'explications, quoique en quantité bien plus réduite par rapport à la somme des bavardages dans le premier.
La première partie de bwp est quant à elle plus bavarde que l'ensemble des deux métrages rec1 & 2.

Sur l'intérêt de ces explications, qu'il faut distinguer du bavardage, et sur l'intérêt de ce qu'on nomme ici bavardage, dans ces films, comme pour L'exorciste, dans la machinerie de la peur, Borges a donné son analyse. Puis j'ai donné la mienne, qui poursuit sur cette logique de "l'herméneutique de l'effroi" dont il parle.

- Je ne vois pas trop qu'on puisse aussi aisément transférer la forme de "l'enquête", dont il est question plus haut à propos de rec, ou de bwp, à la structure narrative propre à tcm. Les élements "non-verbaux" comme cette image nous donnent, ainsi qu'à la fille qui les voit, des informations, qui elles-mêmes s'agencent avec les infos, verbales ou non verbales, dispersées en amont de cette vision, plus celles qui viendront dans la suite du film, et qui convoqueront rétro-spectivement la réserve mémorielle du spectateur, son souvenir de ces détails frappants, comme le musée de "l'ossuaire". La recherche de signification, pour le spectateur autant que pour les persos, n'est pas de l'ordre de la temporalité linéaire, elle circule aussi dans le passé, la mémoire des choses vues, associées aux choses dites dans le présent et dans le passé - sans oublier le texte du générique, lu voix off, qui installe énormément de données à partir desquelles le spectateur va travailler, broder, interpréter. Tout ça forme une spirale mobile de significations où images et paroles ne se distinguent plus.
Ni pour l'autre fille, la dernière survivante (qui entend les infos à la radio, tout en contemplant la "saucisse" sur le feu), ni pour nous, "spectateurs, qui en savons plus qu'elle, et par l'image et par les paroles prononcées.

Mais "explication", ici (concernant surtout rec ou bwp, tcm s'écartant assez du genre "enquête et recherche de sens" même si cette dimension est présente), ne veut pas dire tout comprendre, tout mettre à plat.

Au contraire, tant Borges que moi insistons sur le fait que l'explication n'annule jamais les zones d'ombres, ou le nœud de la peur. Elle les resitue dans l'économie d'une peur plus vaste, plus large, dont la temporalité ou la mémoire excèdent le temps de l'action du film, voire la séquence temporelle que constitue le film lui-même. Nous informons nous-même le film de strates de mémoires faites de renvois, échos, à une mythologie, à une littérature, à d'autres films, etc.
Les "explications" dont il est question ici sont davantage une manière d'attestation que la peur est partagée par d'autres, un ordre d'experts, mais tenus en échec également, tous ceux qui, avant les protagonistes en présence, ont cherché eux aussi à comprendre, maîtriser, mais sans y parvenir. Donc, la fonction des explications, dans ce genre de construction dramaturgique, sert aussi à ce que le sentiment de la peur s'enroule dans la spirale d'une peur plus ancestrale encore, plus archaïque. C'est cette inactualité du motif de la peur, du côté de l'immémorial, qui relance la peur, l'amplifiant comme une chambre d'échos.






Maintenant, pour répondre précisément au problème que tu poses, je commencerai par dire que cette démarcation verbal/non verbal, langage/image, ne tient pas, au fond, pour moi.

L'image n'est pas plus un hors-langage que le langage une hors-image.

Je me dois donc d'expliciter, de déplier davantage, cette affirmation, et cette explicitation ne fera que "traduire", en termes un peu plus "philosophiques", ce que j'exprimais dans mon post précédent.


En ce qui me concerne, donc:

plus haut, quand je parle de signes à interpréter, d'archi-texte, ça ne veut certainement pas dire, au sens le plus restrictif, le plus réducteur, les mots en tant que mots, dialogue ou phrase:

C'est un hors-champ non tant "chosiste" que textuel, archi-textuel. Dans cet archi-texte, il y a quelque chose que les signes n'épuisent pas, un signifiant suprême, caché, la source de l'effroi. Le signifiant le plus important, le rouage central, le pivot de l'articulation, est aussi celui qui se dérobe le plus à la mise en ordre des signes, le moins articulable.
Et comme toujours, l'inarticulé, "'l'innommable", ce n'est que dans l'articulé qu'ils travaillent. Sinon ils ne seraient pas l'inarticulé, l'innommable. On n'échappe pas au problème de l'articulation. Et c'est dans la torsion ou tension entre articulable et inarticulable que la peur trouve son lieu. Cette torsion, c'est la maison de la peur, la maison de la sorcière chère à Lovecraft.

l'archi-texte, la trace au travail dans l'archi-texte, notions que j'emprunte ici à Derrida.


Je reviens sur cette notion d'archi-texte. Ceci voulait suggérer, sous ma plume, ce que dit par ailleurs Derrida, quand il essaie de penser l'archi-écriture comme précédant et englobant toute parole (phonè - la parole comme instance énonciative, prétendument dans la présence, devant l'objet désigné par elle).

La trace, le signe, la parole, ce n'est pas, en un sens structuraliste restreint, l'articulation ou le jeu différentiel des signes dans un système fermé du langage.

Les dispositions de signes, "l'enquête" (dans rec, bwp, plus secondairement tcm), c'est tout autant l'image, le son, la circulation de l’œil/caméra qui voit, de l'oreille/micro qui entend, de la bouche qui parle, et qui opèrent des mises en rapport, des inférences, des coordonnées, etc.


Plus fondamentalement encore, pour le redire, ça nous ramène à la question de la "clôture de la représentation", que je résumerai trop expéditivement ici, en radotant des trucs que j'avais déjà radoté sur cdc:

Dans représentation, il faut insister sur le "re".

Les choses vues, l'horizon qui délimite leur sens, l'unité du sens de ce qui est vu, sont toujours-déjà re-présentés, re-présentation.
Les images sont des tableaux.
Jamais "présentation", toute nue, donnée d'emblée à la vision, et dont la phonè, parole dans sa présence à la chose vue, serait la traduction la plus proche, la plus immédiate.

Toute parole serait ainsi écriture, au sens d'une archi-écriture: qui précèderait toute parole, même avant l'invention historique de l'écriture. Parce qu'au principe de toute parole, il y a déjà la diffusion, la dissémination du sème, du signe et du sens, in absentia, la perte de l'instance énonciative (paternelle, propriétaire, celle de Platon, par exemple, qui commande de se défier de l'écriture comme déperdition de l'Idée).

Toute parole serait écriture, car l'écriture, en tant que schème transcendantal si on peut le dire ainsi, c'est du sens qui circule sans propriétaire, dont on ne peut pas retrouver l'instance première, celle qui a parlé, celle qui a proféré, hic et nunc, le sens. L'écriture, ce sont des signes, de traces, quelque chose destiné à subsister, anonymement, à travers le temps, en l'absence et indépendamment de qui a laissé ces traces.

Faites sur le sable, elles s'effacent. Imprimées dans la glaise, trace d'une main, ou trace peignant une scène dans une grotte, elles se conservent. D'origine, toute trace est signe, graphe, (in)scription, destinée à demeurer, délibérément, à travers le temps, à l'attention d'autres et en l'absence de qui a laissé cette trace.

Les traces, graphes, inscriptions, doivent nécessairement pouvoir circuler, pour être vues, lues, par autant d'anonymes présents et futurs à qui elles sont destinées. Le support de la trace ne peut qu'être ce qu'on nomme un "livre", quelque forme qu'il prenne. Un livre au sens du modèle le plus générique de n'importe quel support quelconque faisant circuler du signe, de l'image, du son, n'importe quelle forme de trace.

Le "livre", ce sont des traces, de l'écriture, qui circule de mains en mains, anonymement, à travers le temps et l'espace, et indépendamment d'une instance qui serait propriétaire de la trace et pouvant s'assurer le contrôle du bon usage de la trace.
D'ailleurs, par définition, on n'est pas le propriétaire d'une trace qu'on laisse, même délibérément. Le sens de la trace n'est possible, originairement, qu'à titre d'un processus d’abstraction, abstraction des circonstances empiriques de leur inscription, circulant au delà d'elles, excédant l'identité personnelle du traceur, processus de diffusion, circulation, dispersion du signe.

[Hegel disait - enfin, je dis qu'il dirait: si vous dites le mot "lion", ou si vous comprenez le sens du mot "lion", ce n'est pas parce que ce mot désigne, ou se rapporte à un lion particulier, que vous connaissez personnellement ou dont vous avez le souvenir intense. Vous comprenez ce mot non pas parce qu'il vous appartiendrait ou ne s'appliquerait qu'à ce lion là, présent sous vos yeux ou à votre souvenir. Le mot "lion" n'a de sens qu'en tant que signe, pouvant circuler et être répété, à l'infini, par n'importe qui, n'importe quand, à travers le temps et l'espace, suscitant un abstract-image, ou schème, valable pour tous les lions possibles, et que peuvent élaborer, du fait de cette circulation et répétition, ceux qui n'auraient même jamais vu de lion de leur vie]

L'écriture, ainsi comprise, en tant qu'archi-trace, comprise comme "schème transcendantal" impur, non assignable, non localisable, dispersé et sans propriétaire, précède et régit tout phénomène d'émission et de réception de signes, qu'on nommera la parole, le toucher, le son, ou la vision, par n'importe quel type de trace qui peut être signe écrit, forme dessinée ou sculptée, pictogramme, phonogramme, icone, graphe, figure géométrique, etc etc.

La vision, et tout ce qu'on voudra qui relève du non-verbal, sont, en ce sens, une écriture originaire, une archi-écriture.

Et dans la notion même d'archi-écriture, habitent les notions, les questions, aux frontières de la psychanalyse et de la phénoménologie, interrogées dans leur principe, de la hantise, du fantôme, du spectre.
Comme strates mémorielles d'un immémorial inactuel, irreprésentable, mais toujours s'actualisant dans le signe, la trace, l'archive, le fantôme, ou trou dans l'être dirait Sartre, ou encryptage comme deuil impossible de l'objet perdu, dirait Nicolas Abraham, etc, etc.

Ce que ne démentira certainement pas le langage cinématographique. Encore moins la conception d'un film d'horreur dont on tente, ici, dans la discussion, de dégager quelques spécificités, en s'interrogeant sur ce qui fait peur ou ne fait pas peur dans un film, en s'interrogeant, comme ici, sur la notion de "hors-champ".

Etc.



On pourrait convoquer aussi la notion, chez Derrida, du "hors-Livre" qui fait toujours partie du "Livre": hégélien, mallarméen, comme projet orphique, d'une totalité, de la vie re-saisie, saisie au dessus d'elle-même, relevée, vie à la fois supprimée, conservée, et dépassée dans une idéalité, une réalité inorganique, inactuelle, qui est un Livre. Vie qui, en tant qu'elle est élevée à son inactualité, par l'écriture, est expérience de la Mort, maintenue dans la mort. Le Livre comme tombeau. L'écriture comme expérience de la mort et qui arrête la mort aussi. Écriture comme impossibilité de mourir.

(des "choses" qui travaillent, sur ou par la bande, dans Hegel, Kojève. Que Blanchot fait travailler: "la littérature et le droit à la mort", etc...)

Le "hors-livre", dit Derrida (en simplifiant très fort) fait toujours partie du livre, comme "pré-face" ou "introduction" au Savoir porté et révélé par ce Livre qui prétend à la totalisation du pensable et du connaissable. Le hors-livre est dans le livre, mais au titre étrange d'une extériorité qui dément la clôture du livre/système sur lui-même, si le livre a besoin de s'introduire lui-même du dehors, une fois achevé.

Le fait même qu'il y ait du "hors-livre" pour introduire à cette totalité devenue qu'est le Livre hégelien, "la phénoménologie de l'esprit" ( le livre qui entend expliciter l'apparition progressive du Concept, depuis la certitude sensible de n'être pas dans le concept jusqu'à la révélation que tout le réel était concept, saisi dans et par le concept), le fait même donc que le Livre ait besoin de s'introduire lui-même du dehors, signale ce fait inquiétant: que malgré ses vœux, il continue à être traversé par la représentativité temporelle du signe, du signe impur interstitiel, sans corps propre, balançant entre les mots et les choses.

Le "hors-livre", au titre d'une greffe extérieure au livre, désarticule ou disjoint le cercle spéculatif que le Livre était censé boucler sur lui-même. La temporalité du signe, qui re-présente les choses, et qui n'est ni du côté des mots seuls ni du côté des choses seules, mais entre les deux, "impurifie" le concept, révélant qu'il n'est pas indemne, "safe", du temps:
le temps - de la représentation - continue à faire fuir le concept hors de lui-même comme un tuyau percé. Et dément que le Livre soit une totalité close sur elle-même, sans dehors, sans extériorité.



[Kojève, par exemple, dans son interprétation du Livre qu'est la phénoménologie de l'esprit (il fait grand cas de cette notion du Livre, lancinante chez lui), parvient déjà à ce genre de constat étrange, et bien peu hégélien sur le plan de l'orthodoxie. Il lit, ou prétend lire, dans Hegel (et par dessus l'épaule de Heidegger), que le Concept n'est rien d'autre que le Temps lui-même. Le temps au sens de Heidegger: une temporalité originaire. Il n'y a donc pas de relève du temps par le concept. Le concept c'est le temps. Le temps est lui-même l'absolu, la relève. Kojève redira encore tout ça, dans un autre livre - posthume, qui se présente encore, par ironie, comme une nième "introduction à l'introduction du système hégélien" (le concept, le temps et le discours): il faut penser non pas un cercle spéculatif, mais un cercle discursif.

(Le Discours, chez Kojève, c'est la "transposition logique" de son analyse phénoménologique du Désir (comme "désir du désir de l'autre"). La transposition logique et phénoménologique étant définies comme inséparables et formant la transposition (anthropo-logique) de l'analyse métaphysique du Temps chez "Hegel" (son Hegel).

Discours/Désir. Lacan saura s'en souvenir.)

Tout ceci ça a des conséquences cataclysmiques sur le Système hégélien du Savoir, qui bascule tout entier dans le régime de la finitude. Cad du côté du Kant (que Hegel souhaitait justement dépasser). Un "Kant" assez proche, quoique différent, du "Kant" de Heidegger (dans son "Kant et le problème de la métaphysique" et de "L'époque des conceptions du monde").
Un Kant du côté d'un Système du savoir comme système fini du Savoir. Un savoir délimité, limité, radicalement fini, cad gouverné de pied en cap par la limite ou la limitation. Un Savoir-(de la)-limite. Un savoir mortel.

La consultation du Kant de Kojève renseigne bien sur le motif secret de son projet, jamais vraiment énoncé en ces termes, mais c'est bien de ça qu'il s'agit: en finitisant ou athéisant le système hégélien du savoir, il le condamne à n'être qu'un système kantien juste plus cohérent ou plus conséquent avec lui-même (à ses yeux).

Kojève (sans entrer dans le détail) célébrant dans la CRP de Kant une épistémologie radicalement athée, mais qui ne s'assume pas encore comme telle. Hegel n'assumant pas non plus complètement à ses yeux une finitisation radicale du champ du savoir comme "anthropologie" (savoir dans les limites de l'homme, dont il s'agit de dégager, décrire phénoménologiquement l'essence: l'homme comme finitude ou temporalité originaire), Kojève se charge alors, en toute modestie, de retirer un par un les vestiges de spiritualisme et de transcendance toujours à l’œuvre à ses yeux tant dans l'architectonique kantienne que dans le système hégélien. C'est assez vertigineux.

D'autant que cet athée "hard" qu'est Kojève pressent dans Sein und Zeit, qui inspire sa lecture de Hegel, et dont il se revendique sans ambiguïté, une théologie masquée (une théologie de la "survie", comme il la nomme).

Dans une note de son premier volume de l'Essai d'une histoire raisonnée de la philosophie païenne, il salue Heidegger comme le grand penseur qui lui a permis de comprendre Hegel. Et il ajoute que pour rester fidèle à lui-même autant qu'au Heidegger de SZ, il a dû le trahir, et ne pas le suivre dans son "tournant", dans ce "retour à l'être" comme "retour au poème" (pré-socratique).
Kojève définit ainsi son projet philosophique:
il s'agit pour moi, dit-il, d'accomplir philosophiquement "l'anthropologie" inachevée (et déniée) dans SZ, en substituant à "Sein und Zeit" "Begriff und Zeit" ; Il s'agit "d'aller vers le Concept et non de retourner vers le Poème".

Je ne m'attarde pas plus sur ces questions (pourtant passionnantes et hautement "controversables"). C'est plus ma "lecture" de Derrida à travers Kojève, ou de Kojève a travers Derrida, qui tend à s'exprimer ici. On ne cherchera pas bien sûr dans Kojève lui-même une démarche derridienne, ni dans Derrida un quelconque ancrage kojévien. Il y a cependant entre eux des lieux de croisements bizarres, interpellants, du moins à mon sens, qui méritent d'être questionnés, pensés, arpentés. ]




Mais je reviens à cette "clôture de la représentation", afin de boucler la boucle, du moins de mon explication (en ne la bouclant jamais, et c'est fatigant, c'est vrai).


Dans son analyse sur la "clôture de la représentation" (dans L'Ecriture et la différence), Derrida s'interroge sur le "théâtre de la cruauté" selon Artaud.

Le rêve d'Artaud, son projet d'art total, ce serait en quelque sorte la destruction de la "représentation" au profit de la "présentation" elle-même, sans "re". Le théâtre comme expérience totale, se confondant enfin avec la vie-même, vécue, sans médiation, à même la chair. Le théâtre d'Artaud, ce serait une représentation-chair, hors-théâtre, hors-scène, de la vérité toute nue, toute crue et toute cruelle de l'être-au-monde.

Il annonce ou promet la fin de la représentation, la clôture de la représentation, au sens de: on quitte l'espace de la scène, parce que, désormais, la scène c'est la vie elle-même, on a ça "dans la peau". Marina De Van, fervente et cruelle disciple, autant que victime consentante, d'Antonin Artaud. Oui, bon... lol


Je simplifie, bien sûr.


Derrida médite sur le double-sens paradoxal de cette "clôture", et selon l'exigence déconstructrice qui caractérise son projet philosophique.
Cette exigence, c'est de constamment repérer le motif même de toute métaphysique, dans les projets qui justement prétendent en finir avec la "métaphysique", à titre de discours, programmes, esthétiques, politiques, anti-métaphysiques.

S'il y a bien quelque chose qui caractérise en propre la "Métaphysique", toutes les métaphysiques qui ne s'interrogent pas, ou insuffisamment, sur elles-mêmes, et qui à un moment ou un autre suspendent le mouvement de la Critique - qui devrait pourtant les animer en les maintenant inquiètes de leur statut, réflexives sur leurs délimitations et leurs définitions -, s'il y a bien quelque chose qui signale, donc, le retour d'une Métaphysique qui s'ignore, c'est précisément le geste par lequel elle prétend en finir, enfin, avec toute métaphysique, en se désignant elle-même comme une anti-métaphysique (par exemple, juste parce que j'y pense, là, le naturisme vitaliste de Michel Onfray).
Toute anti-métaphysique ne fait que boucler la boucle du rêve d'auto-réalisation circulaire de toute métaphysique: déclarer, décréter la présentation du monde tel qu'en lui-même, sans reste, contre ses représentations; retrouver et exhiber la "chair du monde", la présence nue du réel, du monde, des choses, des êtres, des corps, etc, derrière les mots, les signes, les images, les parures, les voiles, les vêtements, etc etc.

Toujours, les métaphysiques non critiques, ou à la critique bloquée, se signalent à l'attention de la critique, sous la forme du fantasme de retrouver ou de restituer, enfin, le sens profond, originaire, qui a été perdu.
Retrouver le sol premier, le Grund, un fondement que l'on fonde ou que l'on re-fonde, à nouveau frais. Retrouvaille "primitive" qui est inséparable de l'annonce de la création d'un ordre nouveau: une nouvelle ère, un Homme nouveau, un nouveau paradigme, etc. Tabula-rasa: refonder la raison, en finir avec la scolastique. Brûlons les mauvais livres. Effaçons, brûlons tous les négatifs, celui de la pellicule de door 3 de Kyochi Kurosawa. Effaçons toute trace négative, toute trace du négatif.

(Sur le plan médiatique de la pensée, car désormais la pensée est surtout médiatique comme chacun le sait, l'entreprise est bien entamée, avec l'énergique et infatigable Onfray-Raël: brûlons Platon, Hegel, Freud, Lacan, Sartre. Le prochain sera Derrida).

Un fondement authentique, la racine première de la Vie, vraie, retrouvée. La terre authentique, la nation authentique, le folk authentique, l'identité authentique, la jouissance authentique, la santé authentique, etc etc.

Autrement dit les projets, pratiques, intentions, programmes, manifestes, discours, politique, philosophique, littéraire ou artistique, qui prétendent en finir, enfin, avec le "discours", les "théories", les philo-sophistes, la "représentation" du réel - qui seraient toujours supplément impur, "duplication", copie, de la présence absolue d'une vérité hors-langage, ou donnée par l'action pure.


(je simplifie, bien entendu. Je "synthétise", improprement. Dans le but de faire comprendre des éléments, a minima)



Derrida médite là-dessus.


Il indiquait, donc, dans d'autres analyses, que le propre de la métaphysique est de vouloir oblitérer, oublier, l'archi-scriptural, l'archi-trace, qui sont dissémination du sens (sème) sans présence propre, différance perpétuelle non cloturable du langage, du signe, qui remettent toujours à plus tard le rapport aux choses, leur mise en présence.

L'oublier, l'annuler, au profit d'une parole pleine, présente, vivante, immédiate.

Heidegger lui-même, dans son enquête critique sur l'oubli constitutif, à l'origine même de la métaphysique, à partir duquel se déploie toute l'histoire de la pensée comme onto-théologie, reste pour Derrida ancré dans le rêve entêtant d'un Site propre à ce rien d'étant qu'est l'être, de la langue authentique de cet être, d'une écologie authentique de cet être, d'un Folk authentique de cet être, etc.

(Lyotard dira, lui, que Heidegger, précisément parce qu'il avait fait de la question grecque de l'être la question première, originaire, la plus oubliée de toutes les questions, ne pouvait situer sa remémoration que dans l'histoire du logos, dans l'histoire de l'oubli de "l'être" par l'onto-logie. Oubliant ainsi un oublié plus originaire encore, plus imprésentable encore, plus archaïque et plus inoubliable encore: du côté de la "chose" inarticulée, du côté de la part inarticulable, a-langagière, qui continue à travailler dans le langage ou le discours, sa part "figurale")



De la même façon qu'il lit et interroge Platon, Hegel, Heidegger, Bataille, Freud, Foucault, Lévi-Strauss, Lévinas, etc, de la même façon qu'il les accompagne attentivement, tout en les questionnant sans relâche sur les reliquats de cette métaphysique qui travailleraient encore leur projet de fondation, dépassement, destruction, déplacement, retournement, de la "métaphysique", Derrida questionne ici le projet d'Artaud.

Derrida, par excellence, bien plus que Deleuze ou Badiou, c'est le philosophe du souci, qui n'est pas en repos, qui s'inquiète toujours, sans relâche, de ce que des poches d'inquiétude soient recouvertes, recousues, même dans les projets les plus critiques destinés à maintenir l'inquiétude, la blessure, ouvertes.


Et Derrida rappelle Artaud à sa propre exigence, tout en questionnant son rêve de la dépense illimitée, son rêve d'effacement de la scène, de la limite, de la dialectique, de la répétition, etc. Il lui rappelle le double sens insurmontable de la "clôture de la représentation", qu'il a contribué lui-même à mettre en évidence tout en cherchant à s'y soustraire.

On en a jamais fini avec la représentation, suggère Derrida. Sa clôture, ça signifie, sans qu'on puisse échapper à ce paradoxe, à la fois: "la représentation est terminée" ET "la représentation continue".

"La représentation est finie", cela veut dire que la finitude est la loi qui habite la représentation. La représentation ne peut jamais en être quitte du régime de la finitude du langage, son "après-coup" par rapport à la "chose en soi" (Ding an sich).

Il retrouve d'une certaine façon le sens beckettien de l'impossibilité de ne pas parler, de l'impossibilité de se taire, de quitter la scène du langage, des mots. "Je ne peux pas continuer, je vais donc continuer": tel est le sens de la clôture de la représentation, qui est aussi la boucle magnétique de la "dernière bande", inlassablement déroulée.


La clôture, pour reprendre ma façon de la "dire", c'est: il est à la fois impossible de revenir aux choses mêmes (projet de la phénoménologie husserlienne, platonicien d'une certaine façon: "la vision des essences" (Wesenschau), ET il est impossible que le langage lui-même, comme trace, ne continue pas à être traversé de part en part par l'extériorité de ce qui demeure "hors-langage". Ce qui demeure "hors langage", du côté de l'innommable, de l'indicible, ou de la Chose (lovecraftienne, freudienne, husserlienne), n'est appréhendé que depuis le langage, le retard originaire du langage, mais aussi du désir, qui fait langage, etc.

C'est précisément en ce sens que j'écris plus haut: " l'inarticulé, "'l'innommable", ce n'est que dans l'articulé qu'ils travaillent. Sinon ils ne seraient pas l'inarticulé, l'innommable. On n'échappe pas au problème de l'articulation. Et c'est dans la torsion ou tension entre articulable et inarticulable que la peur trouve son lieu.
Cette torsion, c'est la maison de la peur, la maison de la sorcière chère à Lovecraft "


C'est encore une autre façon de le dire. Plus pesante, méthodologiquement discutable car trop "syncrétique" du point de vue de l'usage des concepts, j'en conviens.

Mais c'est dans cette direction, s'il fallait tenter de préciser, que tente de penser mon post précédent.



(EDIT: j'ai allongé la partie consacrée à Kojève - ma petite et persistante marotte -, histoire de rendre ce post encore plus interminable, si possible. Je pense, j'espère, que ce sera mon post le plus "techno-hard" de l'année)

les mots, c'est aussi l'oreille;

ce passage de Nietzsche me semble résonner assez bien avec ce que dit jerzy de "BWP" : « L’oreille, organe de la peur, n’a pu se développer aussi amplement qu’elle l’a fait que dans la nuit ou la pénombre des forêts et des cavernes obscures, selon le mode de vie de l’âge de la peur... "

(Nietzsche, aurore)

(ce que rend merveilleusement kubrick au début de 2001, la nuit, l'effroi, l'oreille aux aguets..)

donc élargir cette sensation des mots qui font plus peur que les images; pas seulement les mots, les bruits, la musique...

quand je dis les mots font plus peur que les images, j'explique : dans Rec, les créatures terrifiantes qui se jettent sur vous, tant que l'on est dans un régime d'explication naturaliste (contamination, virus) ça peut aller, dès que l'on précise que ce sont des "démons", on est ailleurs, dans un autre régime de sens, la peur change de nature, le monde, et notre relation aux images; idem dans "l'exorciste", avec son mouvement d'interprétation régressif, archéologique : médecine- psychiatrie, psychanalyse, exorcisme...La peur grandit avec l'archéologie de la peur, du savoir...

slimfast a écrit:

Borges a écrit :

(ce que rend merveilleusement kubrick au début de 2001, la nuit, l'effroi, l'oreille aux aguets..)

il y a supercherie : c'est avant le langage et c'est là où Kubrick et Easwood d'une certaine façon s'apparient autour de l'acte, action premiers.

kubrick aimait le cinéma muet, comme on dit (même si certains de ses films, les comiques, bien entendu, sont très bavards, "folamour", "FMJ") mais ça n'a rien à voir avec eastwood, qui n'existe pas cinématographiquement, à cette hauteur; le silence chez lui est une détermination du personnage, c'est la manifestation de la virilité, dont kubrick n'a rien à cirer...